Le voisin d'a cote is back et meme en super forme ! Etonnamment, maitre Rafik nous revient mais sans s' exprimer sur Speed Racer. Sans doute prepare t'il un article de 15 pages.

En l'attendant avec impatience, voici le mien (beaucoup plus court, je le confesse).a la fois pour saluer le genie des Wachowski, feter le retour de Rafik (depuis quelques jours deja, je sais mais je rentre juste de vacances !) et lui apporter mon soutien inconditionnel ainsi qu'a Totoro et tous ceux qui se sont fait "kickbannise" du forum de Mad Movies. La fin d'une epoque....

Alors que dans son ensemble les studios hollywoodiens misent sur une rentabilite immediate soit en debitant des remakes au metre ou des films reposant entierement sur leur concept et/ou leurs stars, la Warner prend tous les risques en osant proposer des oeuvres spectaculaires en terme de mise en scene comme visuellement et thematiquement. Et qui ne rencontrent pas leur public, comme l'atteste le nombre d'entree des remarquables La legende de Beowulf et Invasion. A croire que les spectateurs se mefient des lors qu'un blockbuster barbare ou une fable science-fictionnelle leur demandent de garder leurs neurones connectes. Un degre d'exigence qui est la marque de fabrique de Andy et Larry Wachowski et qui, pour les connaisseurs, est la promesse d'un cinema total.

Reception critique

Apparemment, la plupart des spectateurs comme les critiques ne sont pas prets a apprecier a leur juste valeur la generosite de ses deux realisateurs d'exceptions. C'est peu dire que leur dernier ne, SPEED RACER, divise. Les detracteurs se montrant virulents et agressifs dans leurs reactions, quand ils ne sont pas carrement a cote de la plaque. Que l'on aime ou pas SPEED RACER, il ne laisse pas indifferent. Il est pourtant etonnant de voir un certain mepris affiche par la presse dite specialisee (peu ou pas d'infos avant le mois de juin), encore plus lorsqu'il emane du magazine reference pour une grande partie des cinephiles, Mad Movies. Je n'invente rien, ils s'enorgueillissent d'ailleurs sur leur site de n'avoir absolument rien a faire du film!? Ils justifient ce dedain (il n'y a pas d'autre terme) par le recentrage de la revue sur l'horreur pure. C'est sur que preferer une preview sur X-Files 2 cela correspond parfaitement a cette ligne editoriale! Preview ou, soi dit en passant, ils font 3 pages sur de simples speculations puisqu'aucune info n'a filtree, soit litteralement du vent Il faut plutot y voir un reglement de compte avec l'equipe ayant sevi entre 2000-2003 et emmene par les Rafik Djoumi, Yannick Dahan, Arnaud Bordas et compagnie pour qui se posaient simplement la question de savoir si le film etait suffisamment interessant esthetiquement et thematiquement (qu'il soit apprecie ou non) pour en parler. Du gros blockbuster qui tache a la bonne petite serie B en passant par les perles occultees par les autres a cause de leur non potentiel commercial. Une autre epoque donc... Mais arretons la le proces du Mad.

DYNAMIC DUO

Un maelstrom de couleurs, de sensations et d'images, aussi beau que pueril et futile. Une definition aussi reductrice que fausse que nombres de critiques et d'internautes ont tot fait d'accoler a Speed Racer, nouveau film des freres Wachowski. Sous couvert de proposer un spectacle en technicolor pour gamins attardes, les deux esthetes aussi geniaux qu'incompris livrent sans doute ici leur film le plus personnel. Une approche humble et sincere ou les images demeurent plus que jamais le vecteur essentiel des emotions. 5 ans apres avoir conclu leur incroyable fresque philosophico-kung-fuesque, les Wachowski reviennent donc a la realisation en adaptant un dessin-anime japonais dont ils sont fans et ayant berce l'enfance de generations entieres d'americains, "Mahha Go Go Go" de Tatsuo Yoshida et traduit par Speed Racer. Apres s'etre laches avec la monumentale saga Matrix, dont le dernier episode consacra un peu plus l'hermetisme (apparent seulement) de leur cinema a ceux qui ne veulent pas voir, les frangins veulent se recentrer vers une oeuvre plus accessible et grand public. Un mixage de comedie familiale et de critique du sport spectacle qui s'avere beaucoup plus ambitieux formellement et thematiquement.

Malgre le scepticisme a l'egard de leurs oeuvres anterieures et plutot que d'opter pour la facilite, les Wachowski osent un film particulierement barre et pour certains carrement psychotronique. Fideles a leur conception du medium, ils reproduisent a l'ecran un decorum fortement connote sixties en concordance avec le dessin-anime d'origine. Une cohesion artistique renforcee par des references d'epoque, mobiliers, James Bond, Conan le barbare, la serie Batman (la sequence de baston dans les montagnes ou ne manquait que la visualisation des onomatopees !) mais aussi Dick Tracy avec cette collection de trognes pas possibles des bad-guy. Quand a la dynamique d'ensemble, ils ont ete fortement influences par Miyasaki et notamment par son Chateau de Cagliostro et les jeux videos. Enfin, au petit jeu des citations, on pourra reconnaitre des emprunts a Akira et le realisateur de japanime Kawaijiri ou a l'art contemporain et abstrait. Mais comme Tarantino ou les coen, leur cinema ne peut se resumer et se reduire a un assemblage heteroclite, puisque chez tous ses auteurs l'important est de se reapproprier ces influences afin de nourrir leur propre travail, les redefinissant pour construire un univers coherent et en adequation avec leur propos. Et dont Speed racer est une parfaite illustration.

L'art de l'enfance

Tandis que l'on pouvait legitimement craindre une trop forte distanciation (Pouah, on dirait Spy kids sous LSD !), ils reussissent une fois encore le pari incroyable d'une immersion complete grace a leur seule mise en scene. Le premier quart d'heure est a ce titre un pur regal et un modele du genre. Une introduction que bon nombre de realisateurs souhaiteraient reproduire en guise de climax final ! Un veritable sommet de concision et de precision dans l'univers depeint comme la presentation des personnages et des enjeux a venir. Alternant les flash-backs et le present sans coupes, les transitions etant effectuees par le biais des personnages ou d'une camera en mouvement, donnant a ses allers-retours temporels une linearite exemplaire. Une homogeneite que l'on ne retrouve que dans les anime et permise par l'emploi du numerique. Les Wachos accelerent meme le rythme des la course de bolides, la sarabande folle du present sur les talons d'images du passe. Speed lui-meme chassant le record de vitesse du tour de son frere disparu jusqu'a poursuivre son fantome. Tout simplement grandiose. Et quand Hollywood multiplie les dialogues explicatifs, les deux realisateurs preferent laisser parler les images, nous rappelant que le cinema est un art du muet, utilisant toutes les possibilites offertes par le numerique (ralentis extremes, inserts, travellings avant/arrieres, etc) pour une lisibilite absolue des enjeux dans l'action. Ils poursuivent meme la reflexion, entamee avec Matrix, sur l'imbrication des differents degres de realite, leur permeabilite et leur capacite a englober personnages comme spectateurs, a un degre superieur. Ainsi, tout porte a croire au debut que nous sommes dans une fiction aux decors contemporains bien que marques par des couleurs eclatantes (la salle de cours et le bureau de la conseillere). Mais des la sortie en trombe de Speed, c'est le choc. Les couleurs chamarrees ne sont pas exclusives des decors interieurs, la fiction dans son entier y est assujettie. Les Wachowski font plus qu'adapter un dessin-anime culte, ils composent un univers totalement soumis aux fantasmes du gamin.

Lorsque le jeune Speed s'imagine au volant d'un bolide dessine par la main d'un enfant, c'est la fiction entiere qui sera soumise a son reve eveille, comme remarquablement traduit a l'ecran par les effets parallaxes du decor (des lignes paralleles donnant l'impression de converger), la figuration des lignes de vitesse (marque de fabrique des mangas et autres O.A.V), des circuits automobiles au trace et au design delirants ou les aplats de couleurs primaires. A noter qu'en psychologie, la parallaxe est une modification de la subjectivite, la difference de perception d'une meme realite, ce qui appuie un peu plus la demonstration selon laquelle les intentions des frangins sont sans cesse tributaires et illustrees par les effets de mise en scene. D'emblee, les Wachos annoncent la couleur, le film sera entierement marque par le sceau d'une vision naive (et non pas niaise) du cinema et completement voue a la recherche d'un emerveillement et d'un plaisir enfantin. Pas de regression mais bien un retour a des sensations primordiales, denuees de tout cynisme. Une belle reponse aux detracteurs leur opposant le manque d'affect de leurs realisations. Soulignons que la scene ou le frere cadet de Speed, Sprittle, et son chimpanze Chimp-Chimp foutent le boxon dans l'usine Royalton apres avoir ingurgite trop de friandises peut, doit, se lire comme l'expression fantasmatique du desir de Speed de tout envoyer bouler apres que Royalton lui ai revele les dessous pervers du sport-business. Une impression encore une fois renforcee par la seule mise en scene puisque les deambulations hysteriques du duo sont a chaque fois amorcee par un gros plan du visage de Speed. Sans oublier que la maitrise des cadres ne serait rien sans une direction d'acteur remarquable (ils sont tous parfaits), le soin apporte a des dialogues sonnant juste et la musique de Michael Giacchino retrouvant la perfection de son score pour Les indestructibles. Sinon, les Wachowski ne font que filmer des bagnoles hot-wheels dans un environnement infographique digne du jeu F-zero, a creve les yeux !

Un film super plat.

Du spectacle pour gosses, Speed racer n'en possede que l'apparente simplicite, n'hesitant pas a aborder les arcanes de la finance (on parle d'OPA, de rachat de titres, de speculation...) et ou Racer X le justicier des circuits travaille en etroite collaboration avec la commission de surveillance, proposant de lutter non plus physiquement mais en trainant les responsables devant la justice (!). Le defilement des valeurs boursieres tenant lieu de nouveau code matriciel pour Royalton, assumant completement son attachement a la marchandisation generalisee. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si les tenants du neo-liberalisme se contentent de regarder l'action devant un ecran plutot que d'y participer. Les Wachowski opposant visuellement et philosophiquement deux conceptions antagonistes. La mere de Speed "Ce que tu fais avec ta voiture, c'est de l'art" et Racer X : It doesn't matter if racing never changes. What matters is if we let racing change us. Every one of us has to find a reason to do this. You don't climb into a T-180 to be a driver. You do it because you're driven exprimant la profession de foi des realisateurs envers le cinema et que Speed materialisera dans la derniere sequence. Pas mal pour un spectacle pour attarde mental ou gamins de 3 ans. Et les prouesses techniques, le car-fu et les quelques concessions (qui n'en sont pas vraiment d'ailleurs, voir paragraphe precedent !) faites pour elargir leur audience (les scenes de comedies burlesques, les persos du chimpanze et de Sprittle) ne peuvent supplanter leur ambition esthetique premiere de donner l'impression de se mouvoir dans un dessin, un celluloid ou une peinture. Une volonte qui se traduit a l'ecran au travers des multiples references a la pop-culture et au procede de 2D selon le concepteur des effets speciaux John Gaeta mais qui a en fait tout a voir avec le . Un mouvement d'art contemporain influence par l'anime et le manga qui vise a analyser la culture japonaise a travers la sous-culture dite . Cette derniere emergeant au sortir de la seconde guerre mondiale en absorbant la culture occidentale et plus particulierement americaine. super plat et se refere a diverses formes aplaties de l'art graphique japonais ainsi qu'a la superficialite de la culture consumeriste japonaise. Ce que le film experimente en abolissant toute profondeur de champ. Takashi Murakami est considere comme le chef de file de ce mouvement. Il cristallise dans ses oeuvres et ses projets, la nouvelle subculture de Tokyo. Il est le representant d'une generation impregnee de l'imaginaire des mangas et des otakus. Il reflechit particulierement aux scenographies pour que le public ait l'impression d'etre entoure par une multitude de cameras, meme s'il se trouve en face d'une seule et meme image . Soit exactement le procede technique utilise par Gaeta et son equipe. Une de ses adeptes est Chiho Aoshima, dont les peintures qu'elle peignit dans le metro japonais ont ete reprises pour figurer la ville ou siege la firme Royalton.

Sature de references artistiques et cinephiliques, Speed racer n'en demeure pas moins l'expression ultime d'un cinema total, entierement voue a propulser ses spectateurs dans un monde fantasmagorique ou ne compte plus que la resonance interieure. Une quete spirituelle que les Wachos poursuivent en convoquant le precurseur de l'art abstrait, le peintre Vassili Kandinski.

Du spirituel dans l'art et dans le cinema des Wachowski en particulier

Peintre mais aussi theoricien de son art, lorsque l'on etudie ses oeuvres et plus encore ses ecrits, il apparait que les Wachowski se sont appliques a retranscrire ses theories et son engagement. Ainsi, pour Kandinski, l'art peut etre aussi l'expression directe du monde interieur de l'individu, et il vient a considerer que la peinture peut s'affranchir des formes et s'exprimer dans la seule dimension du trait, de la tache et de la couleur et qu'il peut a partir de la tout autant toucher l'ame de l'homme que la representation figurative.

Lorsque l'on regarde les couleurs sur la palette d'un peintre, un double effet se produit: un effet purement physique de l'oeil charme par la beaute des couleurs tout d'abord, qui provoque une impression de joie comme lorsque l'on mange une friandise. Et oui, le choix de couleurs n'est pas du mauvais gout. De meme que la sequence ou Sprittle et son singe devalisent le coffre a bonbons de Royalton n'offre pas seulement une respiration humoristique.

Mais cet effet peut etre beaucoup plus profond et entrainer une emotion et une vibration de l'ame, ou une resonance interieure qui est un effet purement spirituel par lequel la couleur atteint l'ame. Ce que Kandinsky appelle le devient de plus en plus eclatant, il se charge d'un pouvoir emotif et d'une signification cosmique intense.

Son premier grand ouvrage theorique sur l'art, intitule Du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier, parait fin 1911. Il y expose sa vision personnelle de l'art dont la veritable mission est d'ordre spirituel, ainsi que sa theorie de l'effet psychologique des couleurs sur l'ame humaine et leur sonorite interieure.

Ainsi le vert produit le calme (la mere de Speed est vetue de vert lorsqu'elle le reconforte apres la mort de son frere), Le rouge est une couleur chaude tres vivante, vive et agitee, il possede une force immense, il est un mouvement en soi (le rouge caracterise le famille Racer, mobilier, uniformes, atelier), le violet est un rouge refroidi qui confine a l'immobilite (Couleur caracterisant Royalton, il en est vetu et l'enjeu pour lui est de faire revetir un costume violet a Speed, signe de son controle sur lui) et ainsi de suite.

Enfin, le grand final paroxystique et orgiaque, le Grand Prix definitif qui consacre Speed moins comme le vainqueur que comme l'artiste transcendant son art, est l'exacte illustration de peintures ou de grandes masses colorees tres expressives evoluent independamment des formes et des lignes qui ne servent plus a les delimiter ou a les mettre en valeur mais qui se combinent avec elles, se superposent et se chevauchent de faon tres libre pour former des toiles d'une force extraordinaire. Le deferlement de couleurs fusionnant avec la structure du circuit dans un crescendo accentue par la musique, provoque une sensation ultime d'apaisement et de plaisir. Une experience rare a vivre en salles.

Reprenant a leur compte diverses influences tant artistiques que cinematographiques, cinephiliques ou geek, les Wachowski livrent encore une fois un film irreverencieux puisque allant a l'encontre du formatage formel habituel. Toujours animes par la meme demarche de proposer un divertissement en appelant a la fois a l'intelligence et la sensibilite des spectateurs, les deux natifs de Chicago demeurent inexplicablement boudes par la critique et le public (voir les resultats catastrophiques du box-office mondial). S'exposant comme jamais, les Wachowski auront pris en pleine gueule le refus de leur jusqu'au boutisme et leur avant-gardisme. OEuvre magnifique et exigeante pour les neurones et les sens, SPEED RACER est un veritable antidote au cynisme et aux films decerebres que l'on nous vend a longueur d'annee. En plus d'etre un putain de chef-d'oeuvre incompris !

En attendant de lire une critique plus concise dans le numero 13 de la revue VERSUS (http://www.versusmag.fr) avec tout un dossier (tres) complet sur Spielberg, voici une version longue de ce que je pense du dernier opus de la saga Indiana Jones. Le dernier paragraphe ayant ete inspire par le "voisin" d'a cote, maitre Rafik.

A entendre et lire les reactions plus que mitigees de la plupart des spectateurs, journalistes ou non, apres la projection du Royaume du crane de cristal, le retour d'Indiana Jones est au mieux decevant, au pire rate. Apres une si longue absence (19 ans quand meme !), difficile de retrouver la maestria des Aventuriers de l'Arche perdue. Pourtant, les imperfections scenaristiques et esthetiques de ce film deconcertant a plus d'un titre en font sans doute l'opus le plus fascinant et passionnant de la saga.

George Lucas est co-createur du personnage, mais c'est bien Spielberg qui en a fait une icone par la grace de sa realisation. Une paternite partagee qui s'accommoda plutot bien de leurs visions respectives de l'archeologue, la trilogie ayant marque durablement l'imaginaire collectif. Les choses changent. Les deux comperes jouissant dorenavant d'une position dominante dans l'industrie hollywoodienne, technologique pour l'un, artistique pour l'autre, le compromis n'est plus de mise. Ce quatrieme episode etant le theatre d'une veritable lutte d'influence entre les deux moguls. Et a ce petit jeu, c'est Spielberg qui en sort grand vainqueur.

Apres la catastrophique reprise en main de John Mc Clane par Fox News l'ete dernier, faisant du heros a la bad-ass attitude un reac-conservateur, l'annonce de la reprise en main par Lucas d'une autre idole des annees 80 laissait presager du pire. Refusant et reecrivant le scenario de Frank Darabont pourtant approuve par Spielberg et Ford, le pire etait a craindre. Autrement dit, le syndrome de la prelogie Star Wars menaait de frapper d'inanite le retour du heros au chapeau et au fouet.

Un Darabont non credite, lui qui est pourtant associee a la mythologie Indiana Jones puisqu'il ecrivit 6 episodes de la serie racontant les aventures du jeune Indiana Jones. A noter qu'un episode, jamais produit, de la 3eme saison devait etre base sur une idee de Lucas et ayant pour theme des cranes de cristal. Encore une fois, rien ne se perd avec tonton George.

Les aventuriers de l'Arche perdue dans le retro...

Et cela debute par une premiere sequence annonant un changement fondamental, la celebre montagne de la Paramount ouvrant habituellement chaque film se muant en monticule de terre d'ou surgit un chien de prairie numerique. Aussi laid qu'inquietant pour la suite, ce plan sera constamment invalide formellement par un Spielberg en pleine forme bien que figurant le remaniement profond opere a la mythologie de la saga.

Autrement dit, Indiana Jones est le meme que dans nos souvenirs mais aussi different.

A ce titre, le retour du heros est magistral. Apres avoir evacue les ados parasites de American graffiti (film de Lucas) des la sequence inaugurale, Spielberg signifie que les choses ont change en montrant une intrusion violente dans une base secrete americaine par un convoi de soldats russe. La menace est presente sur le sol yankee et viendra extirper Indiana Jones de sa retraite. Notre heros etant extrait manu-militari du coffre d'une voiture. Pour l'instant cadre de dos et en plongee, Spielberg convoquera majestueusement le celebre aventurier en quelques plans - un chapeau au sol, une main qui s'en saisit, une ombre qui l'ajuste sur la tete celui-ci daignant se retourner enfin a l'aboiement de son nom. Indiana Jones desormais incarne dans toute sa splendeur.

Par la suite et des l'arrivee des bad-guys du film, des russes menes par la capitaine Spalkow (imperiale Cate Blanchett), Spielberg s'ingeniera a retrouver le souffle des aventuriers de l'Arche perdue. Le hangar entraperu a la fin du 1er episode etant le point de depart d'une action toujours aussi epique et grandiloquente, ou les capacites physiques (bien qu'amoindries par l'age) autant qu'intellectuelles preserveront notre heros.

Mais le personnage a change. Vieilli meme comme se plait a le rappeler Mutt Williams (Shia LaBeouf, etonnant), le traitant de a maintes reprises. Indy malgre ses etats de services sera mis a l'epreuve autant physiquement (les nombreuse manadales qu'il reoit, chute a moto,etc...) que verbalement. Par Mutt donc mais egalement par deux agents du F.BI le souponnant d'activites anti-americaine.Celui-ci personnifiant idealement l'audience actuelle, dubitative face a ce prof ne faisant plus fantasmer ses eleves depuis longtemps. Spielberg teste donc la capacite d'adaptation de son personnage a un contexte aussi particulier que les annees 50. Finies les immuables annees 30 et a la legerete des serials. Indy fait maintenant face a un monde travaille par la peur de l'Autre (communiste) et de l'atome. Dans un monde ou regnent la paranoia et le maccarthysme, Indiana Jones apparait partiellement inadapte.

Tout le film soulignera d'ailleurs son changement de statut, passant du role d'acteur a celui d'observateur des evenements historiques. Ce que deux plans figurent magistralement. Indy face a la bombe et face a l'envol d'un engin spatial. Cette derniere image du climax, a la fois choquante et fascinante fait figure a elle seule de lien entre deux versants de la cinematographie de Spielberg, une quete de spiritualite incarnee par l'aventurier et la possibilite d'un enseignement superieur prodigue par l'Autre.

Deux images aussi incongrues que belles ou la composition des cadres voyant un Indy miniaturise au premier plan renvoie a ces couvertures de comics ou de pulps pullulant dans les fifties.

Ces deux sequences sont egalement l'occasion pour Spielberg d'opposer l'evolution de deux conceptions bien differentes de la famille. Celle ideale representee par les mannequins de ce village-test malsain et detruite par l'explosion atomique, repondant a celle recomposee de la famille Jones apres le decollage du vaisseau.

Une prise de risque permanente traduit le desir de retrouver un ton delicieusement retro et adapte a son heros. A ce titre, certains effets-speciaux paraissant approximatifs sont parfaitement raccord avec l'impression visuelle des episodes precedents.

Mais l'evolution du heros sera marquee par la realisation de Spielberg, retrouvant un classicisme devenu desuet a l'heure actuelle et pourtant indispensable des qu'il s'agit d'installer durablement intrigues et caracteres. Cadres elargis, retour du hors-champ et plan durant plus d'un dixieme de seconde, soit le retour a une realisation dite classique que l'on a deja pu apprecier en mars dernier avec The mist de Frank Darabont (tiens, tiens).

Si les morceaux de bravoure abondent (la poursuite anthologique dans la jungle amazonienne), comme l'humour (savoureuses retrouvailles avec Marion Ravenwood), ce qui sous-tend tout le film est moins la course a l'armement ultime que la quete du Savoir.

Une quete du Savoir, qu'il soit scientifique, cinematographique ou archeologique qui a toujours ete le moteur de la saga et plus encore de ce film. Au contraire d'un Benjamin Gates pour qui seule importe la reconnaissance (cf le livre des secrets).Une difference fondamentale, comme l'est celle entre un Savoir relatif, acquis par la recherche, l'enseignement et un Savoir absolu, convoite pour sa puissance intrinseque. L'un est emancipateur, l'autre destructeur. Une philosophie presente depuis L'Arche perdue et qui ici prend une dimension extreme avec une race extra-terrestres pourvoyeuse des connaissances responsables de l'evolution humaine. Une thematique et un look des E.T semblables a ceux mis en scene par De Palma dans son Mission to Mars.

Et pour bien souligner que ce qui interesse veritablement Spielberg chez son aventurier est sa soif constante de connaissances, il livre le film sans doute le plus ludique de la saga voire de la carriere de Spielberg, celui-ci jouant avec le savoir des spectateurs.

Des references d'abord historiques (guerre froide) puis mythologiques (incident de Roswell). A celles se rapportant aux episodes precedents, aux romans derives et a la serie Young Indiana et ancrant le film dans une continuite chere a Lucas, Spielberg prefere se referer a des classiques de la S.F estampilles fifties. Them! (attaque de fourmis geantes), Quand les soucoupes attaquent la ville, L'invasion des profanateurs de sepulture (au detour du monologue de Spalkow sur le controle de la psyche americaine par le biais de la pensee unique), autant de rappels reactivant les connaissances des spectateurs, enrichissant aussi bien la realite diegetique que les emotions vehiculees. Soit une demarche similaire a celle de Tarantino.

Donc, malgre le parasitage de Lucas, les nombreuses bestioles numeriques en etant la demonstration la plus eloquente, Spielberg parvient a rester maitre du personnage qu'il a contribue a faonner. Mieux, il retourne en sa faveur les elements imposes par le scenario reecrit par son ami pour nourrir sa propre vision et reflexion sur l'homme au fouet.

...les aventures de Tintin dans le viseur.

Tandis que l'annonce de l'adaptation de Tintin par Peter Jackson et Spielberg a deja fait 3 fois le tour d'internet, en revanche peu savent que l'interet du golden-boy pour notre reporter a la houpe n'est pas seulement consecutif aux possibilites offertes par la performance capture, mais date deja de 1983. Et si le projet d'une adaptation live officielle fut avortee (question de droits), Spielberg en tourne une version officieuse avec le tant decrie par les fans Indiana Jones et le temple maudit. Et oui, Spielberg s'est amuse a detourner des cases entieres de plusieurs albums. Demi-lune etant une reference plus qu'explicite du personnage de Tchang dans Le lotus bleu, certaines scenes dans la jungle et le palais du maradjah rappelant l'album Les cigares du pharaon.

Outre les references a l'album Vol 714 pour Sydney, le royaume du crane de cristal est une forme de preparation au futur.

Alors que Lucas tente d'imposer sa vision mercantile du cinema a la saga, le personnage de Mutt Jones etant appele a prendre la releve. Il est d'ailleurs desormais celui qui provoque les evenements et en l'occurrence la fuite des heros du camp des russes lorsqu'il balance d'un grand coup de pied la table sur laquelle Indy ET Spalkow etudiait une carte. A partir de cet instant notre celebre aventurier restera plus ou moins en retrait laissant le soin a Mutt de montrer ce dont il est capable. Ainsi, Spielberg en profite pour prendre un coup d'avance (comme souvent) et tester aupres d'une large audience les possibilites d'action et le charisme d'un personnage dans la meme tranche d'age que Tintin. Soit peu ou proue ce que Peter Jackson justement avait fait avec Fantomes contre fantomes, experimentant certains motifs qu'il reprendrait dans sa trilogie de l'anneau.

Donnant l'impression de conceder du terrain a son envahissant ami, Spielberg s'affirme bien plus subversif qu'attendu. La derniere sequence est a ce titre eloquente. Alors que Mutt recupere le chapeau emblematique a terre, pret a le mettre, Indy lui ote des mains in extremis. Une scene savoureuse a la double signification. Le jeune Jones devra se construire sa propre personnalite, tandis que le protege de Lucas n'est pas encore pret a prendre la suite. Le tout affirme avec de grands sourires.

Parvenu a s'approprier ce gamin impetueux, Spielberg affirme ainsi que le passage de relais ne se fera pas sans son consentement.

Nicolas Zugasti

Bientot sorti des rotatives qui turbinent a plein regime, le tout nouveau, tout beau (nouvelle maquette oblige) VERSUS ! LA revue cinematographique, pas en vente partout. Pas encore du moins. Alors pour frimer sur la plage, dans le metro ou le bus, pour draguer (resultats garantis) mais surtout pour avoir une autre opinion sur le cinema, on se precipite sur le http://www.versusmag.fr pour commander son exemplaire ! Au menu, les rubriques habituelles et deux gros dossiers : Spielberg et la tendance subjective (retour sur REC, Alexandra's project, Blair witch, Diary.... et consorts) 'gardez comme il est beau le VERSUS N13 !

Depuis le debut cela aurait du nous sauter aux yeux tant toute sa filmographie est revelatrice : Roberto Rodriguez est un vrai realisateur estampille . Ses films parfois montes a la hache foisonnent d'idees rarement exploitees entierement, pretextes aux sujets les plus casse-gueule ou des concepts aussi improbables qu'un mariachi plus flingueur que melomane, des extra-terrestres boutes hors de la fac grace aux proprietes d'une etrange poudre blanche, des espions en culottes-courtes (etc...).

Il aura fallu attendre le diptyque avec son pote Tarantino pour s'en apercevoir. Mais il serait plus juste de dire que c'est l'exploitation distincte des dits films qui aura fait eclater la verite. Tarantino est brillant, un geek aussi genial qu'ambitieux mais il n'est pas a proprement parler un (desole pour le neologisme). Il en a l'esprit mais pas la lettre.

On peut regretter et reprocher a Rodriguez sa propension a vouloir s'occuper de tout (realisation, montage, musique voire peut etre un jour la vente de pop corn) occultant souvent les enjeux narratifs (Sin City ou plutot Statique City !) comme esthetiques (Spy Kids 3DShark boy et Lavagirl : veritables boursouflures visuelles) mais pas sa generosite, son excitation et son energie passees a satisfaire nos plus coupables plaisirs de geeks hardcore : gunfights homeriques, explosions dantesques filmees sous tous les angles, projection de sang et tripaille en tous genres le tout releve de femmes letales, belles et excitantes.

Rodriguez respire, transpire le film d'exploitation. Et son enfonce le clou une bonne fois pour toutes.

a commence tres fort avec la bande-annonce de entierement dediee a cette tronche impayable de Danny Trejo. En 2mn30 d'images aussi evocatrices que devastatrices d'un Machete en action, il parvient a attiser notre desir d'en voir encore plus. Au-dela d'une bande-annonce, la note d'intention de ce qui va suivre.

Chassant sur les terres du schizophrenique Une nuit en enferPlanet terror s'apparente plus a une relecture qu'a un remake. Il joue sur la meme dynamique d'une montee en crescendo trouvant sa resolution paroxystique dans un final debride (ou les decors comme les corps finissent par exploser !).

Exploitant le schema meme de La nuit des morts-vivants de George Romero, d'abord comme a reprendre puis comme modele a pervertir. Et de belle maniere.

Le film regorge de personnages haut en couleur beneficiant d'une iconisation outranciere et jouissive (l'entree en scene de Bruce Willis est un regal !), de situations absurdes et scenes memorables (voir ce que Naveen Andrews preleve et collectionne sur ses adversaires !). Car finalement, a l'instar des films d'exploitations dont il se reclame, l'histoire de Planet terror importe peu. D'autant qu'elle est archi-rebattue : une poignee de survivants doit combattre et survivre a l'attaque de zombies infectes par un virus chimique. C'est definitivement une intrigue pretexte a tous les delires. Et le personnage de Rose McGowan en est une parfaite illustration. Amputee de la jambe droite, elle arbore fierement in fine un bon gros shotgun. Ou comment transformer une sexy girl en icone virile !

Le film est barde de references et d'hommage plus ou moins appuyes - films de zombies (l'enfer des zombies, l'avion de l'apocalypse), les films de siege (Carpenter style!), les bandes italiennes post-apocalyptique non plus destinees a contenter les fans hardcore mais rendues significatives et signifiantes par le scenario meme.

L' hommage est rendu jusque dans l'habillage du film. Image tremblotante, rayures et grain a l'appui. Jusqu'a la faineantise legendaire de Rodriguez ici exploitee par le biais d'une bobine entiere portee disparue ! Une ellipse aussi folle que geniale et qui n'entrave en rien la comprehension et la coherence des evenements. Outre la patine visuelle, l'utilisation d'acteurs communs (Rose Mc Gowan, Earl Mc Graw, Q.T himself) participe de l'hommage rendu. Il va vraiment au bout du concept alors que Tarantino ne marquait son metrage que par intermittence. Des differences de traitement qui en font des films complementaires, indissociables dans leur demarche de ressusciter ce genre de double-programme.

Cependant, l'experience avait deja ete tentee par les deux comperes en 1996. Et oui, Une nuit en enfer en etait une tentative non avouee. Sauf que sa particularite etait de l'experimenter au sein du meme film, sans coupures. La 1ere partie dialoguee est du Tarantino pur jus preparant a l'hysterique 2nde partie de l'ami Roberto. Etrangement, le public americain bouda son plaisir ne rendant pas justice a la vision des deux compadre. Et si est sorti rallonge dans nos contrees, c'est bien sur l'aura d'auteur a part de Tarantino que le film fut vendu. Festival de Cannes oblige. Injustement oublie de la campagne promo de son pote, le film de Rodriguez apparait comme le canard boiteux de la bande. Certes, il ne gagnera pas de prix mais il saura a coup sur faire fremir les amateurs de pelloches azimutees et gagnera leur coeur.

Les personnages sont attachants, bien campes, les seconds couteaux au diapason (Mickael Biehn, Tom Savini) et les sequences d'anthologies se succedent: la maniere de se frayer un chemin a coups de couteaux tout en evitant les projections de matieres contaminantes, reference egalement auJour des morts-vivants lorsque les infectes se delectent des tripes des patients et du personnel soignant de cet hopital basculant en enfer, l'assaut sur le snack ou sont refugies les survivants, le demastiquage en regle pour s'en echapper.... Roberto Rodriguez fidele a lui-meme. Contre toute attente, il etonne par son scenario travaille, une mise en scene maitrisee et surtout inventive, enfin au service de l'histoire et plus seulement ostentatoire et en roue libre. Pas de digressions ou de reflexions sur la societe ou le genre. Pas le temps. Comme si le film lui-meme pris de convulsions devait lacher tout ce qu'il a dans le ventre avant de succomber au virus (du conformisme ?).

En outre, le film de Rodriguez permet de souligner la tendance actuellement a l'oeuvre. Face a une esthetisation de plus en plus conventionnelle, des images numeriques de plus en plus lisses et transparentes, Planet Terror se presente comme une alternative on ne peut plus radicale. Ce n'est sans doute pas par simple pudeur et respect de son aine (la nuit des morts-vivants) que les agents contaminant sont nommes infectes. Niant par la meme leur nature zombifiee, ils stigmatisent toute une production grand public puisant aux sources du genre tout en refusant d'en assumer l'heritage.

Sans doutes les pretentions de Planet Terror s'averent etre plus basiques. Il n'empeche qu'il detonne clairement dans le paysage. Et s'il est autant marque d'imperfections a la fois narratives et esthetiques, c'est bien pour rendre compte du lissage formel qui s'opere.

Complement de programme : l'experience Grindhouse

N'oublions pas que et sont au depart une seule et meme oeuvre baptisee , qui telle que realisee par les 2 amigos est revelatrice de la logique actuellement a l'oeuvre.

Confronte a des films de genres malmenant les codes et la narration, le spectateur lambda se trouve demuni car incapable d'interpreter ce qu'il voit autrement que par des grilles de lecture obsoletes et hors sujet. Dans le diptyque Grindhouse, la question demeure de savoir comment apprehender ce trop plein de bavardages, ces suites ininterrompues d'outrances visuelles et stylistiques. Le fait que le public americain ait boude son plaisir est la pour l'attester.

Les deux realisateurs entreprennent de nous reveiller et d'echapper au cauchemar de Stepford (reference au livre de Ira Levin ou la societe ideale s'apparente a la vie paisible et sans asperites d'une bourgade idyllique) Bien sur, c'est l'hommage aux films ayant berces leur adolescence qui a preside a l'elaboration de . Ce fut pourtant un echec commercial cuisant. Putain, mais avec des motifs aussi putassiers que des zombies, des voitures et des meufs bien roulees, ils auraient du exploser le sacro-saint box-office !

Face a une realite sculptee a meme les codes dans lesquels se complait son audience, Grindhouse propose une matiere brute a (re)definir. Ce film atypique, dans sa longueur comme dans sa forme et son unite est revelateur d'une industrie toujours plus uniformisee. A noter que le virtuose Smokin' aces (Mise a prix en V.F) participe de la meme demarche de questionner le positionnement d'hollywood face a des OFNIS dont la vacuite apparente ne doit pas masquer une reelle sincerite et un respect des spectateurs.

Le recours a des effets speciaux gorissimes a meme le plateau (la KNB's touch), a des cascades sans artifices (se sont bien Russel et Zoe Bell au volant ou sur le capot) le singularise soulignant de fait une emprise du numerique toujours plus croissante (et inquietante ?). C'est egalement le propos de que de s'interroger sur l'hybridation de la realite avec le numerique. Sous une forme plus classieuse mais a chacun ses armes, Roberto Tarantino ayant choisi une explosion festive et jubilatoire.

Plus qu'une experience americaine convoquant la nostalgie d'un age d'or ou les series B se permettaient tous les exces esthetiques autant que narratifs, Grindhouse se defini comme une exception culturelle americaine. Lorsque l'on voit les limites de l'exception culturelle bien de chez nous, a quand une immigration choisie du couple Tarantio/Rodriguez ?

La serie XIII est donc terminee. Du moins sur papier puisque est mis en chantier une mini-serie (2x90 minutes) adaptant la BD culte. Elle sera d'abord diffusee a Paques sur canal + puis d'ici a la fin de l'annee sur M6.

Une bande-dessinee qui est une adaptation du roman de Robert Ludlum The Bourne Identity paru en 1980, s'inspirant de l'histoire de Jason Bourne pour porter un regard retrospectif sur l'Histoire americaine contemporaine. La bande-dessinee a un tel succes critique comme public que l'on oublie peu a peu sa veritable origine. Sacree mise en abyme pour une intrigue axee sur un amnesique en quete de ses souvenirs.

Puis en 1988, Richard Chamberlain (les oiseaux se cachent pour mourirAllan Quaterman...) incarne le heros d'un telefilm intitule la memoire dans la peau soit le titre du roman eponyme, mais adaptant l'intrigue de la bande-dessinee!!? Et cette meme annee 1988, sortait sur les ecrans un film assez sympa qui etrangement, fera date dans l'histoire des films d'action, un certain et son heros dur a cuire John Mc Clane. Heureux hasard, on apprend en 1990, dans l'album la nuit du 3 aout, le suppose (a l'epoque) vrai nom de XIII, Jason Mac Lane. Et comment etre etonne de lire dans ce nom un hommage au heros ayant inspire la serie, Jason Bourne, et celui dont les traits de caracteres sont similaires, John Mc Clane? Outre la perte de souvenirs, XIII entretient d'autres similitudes avec Bourne et notamment la maniere dont il se decouvre des capacites presque surnaturelles de se defendre. Quant au heros de , comme lui, il subit plus qu'il ne provoque les evenements.

Et tandis que les annees 90 se terminent, la saga XIII decline peu a peu (voir article precedent pour analyse). Laissant le champ libre au retour du Jason Bourne originel dans le film de Doug Liman la memoire dans la peau (2002). Suivront deux sequelles realisees par Paul Greengrass et dont la derniere en date s'avere decevante. Mais peu importe, la trilogie a remis au gout du jour des aventures d'espionnages plus realistes, lumiere naturelle, tendance monochromatique, action brutale et apre, soit une esthetique issue des annees 70.

Le 13 novembre 2007 a donc vu la parution du dernier tome des aventures du numero XIII. Une fin assez quelconque pour une BD qui aura connu un succes sans precedent. C'est donc en toute logique que l'adaptation live est lancee, capitalisant a la fois sur l'album n19 comme sur le dernier film de la trilogie la vengeance dans la peau. Et ironique retour des choses, on se dirige tout droit vers un traitement et une esthetique directement heritee des Jason Bourne. Il n'y a qu'a voir le casting rajeuni pour l'occasion: Stephen Dorff (, ) sera amnesique et Val Kilmer (Top gun, ) une ! Ceux qui attendaient une fresque historique digne de la BD en seront pour leur frais. De toute faon, depeindre en 180 minutes une intrigue aussi foisonnante et traversant des decennies d'Histoire relevait de la gageure. Esperons au moins que le realisateur Duane Clarck (des episodes des ) ne nous filera pas la gerbe avec une camera frenetique. Deja que ce casting est assez indigeste.

So long et bonne chance dans ta nouvelle vie Jason Mac Lane.....