Honnêtement je n'avais pas prévu de parler du Cuirassé Potemkine. L'idée de parler d'un film aussi célèbre, reconnu comme un sommet et dont le nom est profondément gravé dans le conscient cinéphilique (qu'il est été vu ou non) ne me serait même pas venu a l'esprit si, au hasard d'une journée de boulot et de zapping radio, je n'était pas tombé sur la "chronique" de l'édition Mk2 sortie il y a peu dans l'émission animée par cette tête de bite hystérique de Laurent R...... . Après ces quelques minutes d'incompétence crasse et d'inculture patenté "a ouais tout de même" me suis-je dis dans un monologue intérieur dont la profondeur ne vous aura pas échappé, hallucinant de constater une telle ignorance et un tel mépris de la part de gens "censés" être cultivés. C'est par réaction envers ces quelques minutes de pure connerie que je me suis finalement décidé d'écrire ce modeste article sur un film que j'adore (vous m'excuserez de passer sur certaines choses mais je n'ai hélas pas les connaissance pour écrire un article "complet") Bronenosets Potyomkin

De Serguei Eisenstein. URSS/1925.

                              1905. Le mécontentement gronde sur le cuirassé Potemkine. En plus de supporter une discipline de fer et un inconfort de chaque instant, les marins découvrent que leurs nourriture est avariée, infectée par des vers. Le médecin du bord décide, sous l'œil dédaigneux du commandant et devant les marins, que cette viande est bonne a être consommé. Les marins refusant de la manger, le commandant et ces officier décide de fusiller quelques marins pour l'exemple. La mutinerie éclate. L'équipage tue les officiers mais Vakoulintchouk, le matelot ayant déclenché la révolte est tué. Le Potemkine se dirige vers Odessa pour y faire le plein de nourriture, de carburant et surtout pour y célébrer les funérailles de Vakoulintchouk. Son corps sans vie est déposé sous une modeste tente devant laquelle va défiler, au fur et a mesure de la journée, une bonne partie de la ville. Odessa et les insurgés vont faire cause commune contre les tyrans qui oppressent le peuple mais c'est a ce moment que les forces de répréhensions arrivent et font un massacre dans la population. En représailles les marins pilonnent le quartier général et apprennent par la suite qu'une flotte de bâtiments se dirigent vers eux et le Potemkine. Faisant face, les mutins se précipite au devant du danger et appelle leurs camarades a faire cause commune. Le Potemkine traversera la flotte sans encombre et partira, libre.

Tout d'abord, débarrassez vous des a priori liés aux films muets en général et a l'œuvre d'Eisenstein en particulier. Si la pléthore d'analyses mettant en avant le rôle essentiel d'Eisenstein dans l'évolution du langage cinématographique ont eu pour effet de mettre, a raison, le cinéaste russe au panthéon des grands génie du septième art, elles ont aussi permit l'apparition d'un phénomène quelque peu pervers. Celui d'ensevelir le tout sous une énorme chape de plomb poussiéreuse généralement désigné par le terme ronflant de "classique" et par le statut d'œuvre intouchable, reléguant le Potemkine au rang d'œuvre historique avec pour effet, aujourd'hui, d'induire que "ben ça doit être vachement chiant a voir ce truc" et faisant du film d'Eisenstein rien de plus qu'un incontournable pour étudiant en ciné ou autre universitaire, l'artefact d'une époque révolu, en bref pas grand-chose. Et ben non, Le Cuirassé Potemkine ce n'est pas chiant, ni vieillot ou ringard et ça met juste a l'amende les 8/10eme de la production actuel. C'est en février 1924 que sort La Grève, le premier long métrage d'Eisenstein, qui est aussitôt salué comme une avancé signifiante du cinéma soviétique. Eisenstein est contacté par le comité délégué par le parti charger d'organisé les célébrations du vingtième anniversaire de la révolution de 1905 pour tourner une série de film sur le sujet. Mais par faute de temps et d'argent le choix est porté sur l'Odyssée des marins du Potemkine, jugée comme étant le fait le plus emblématique des évènements. Le film sort en Janvier 1926 en URSS dans une quasi indifférence alors que son avant première au théâtre du Bolchoï en Décembre 1925 fut un beau succès. Un débat a lieu afin de déterminer si oui ou non le Potemkine doit être montré a l'étranger (les autorités de l'époque ne croyaient pas qu'un film de propagande puisse rencontrer un quelconque intérêt a l'étranger et l'origine juive d'Eisenstein n'arrangeât pas vraiment les choses avec le directeur de la société charger de le distribuer), mais avec l'aide de quelques personnes bien placé le film est distribué hors d'URSS. En Allemagne ou il connaît un énorme succès publique et critique, mais également en France et en Angleterre ou son interdiction de diffusion ne l'empêche d'être montré pendant des projections privées ou il rencontre l'enthousiasme. Ces retours dithyrambique vont semble t'il provoquer un intérêt tardif de la critique russe qui va enfin se pencher sur ce film. Le reste fait partit de l'histoire.

Le film ayant 83 ans au compteur il serait idiot de dire que Le Cuirassé Potemkine n'as pas vieillit. Certains passages pourront faire sourire pour leurs contenu lourdement signifiant : les officiers sont des caricatures d'ordures suintantes de mépris, le pope, affublé d'une tronche hirsute de vieux félon tout droit sortie d'un Shaw Brother, qui tente de convaincre les mutins de rentrer dans l'ordre apparaît dans un plan qui semble tout droit sortie du Nosferatu de Murnau ou tout simplement les intertitres inutiles qui pollues la fluidité du métrage en explicitant un propos évident. Mais ça passe parce que l'intérêt du Potemkine, et de toute l'œuvre d'Eisenstein, n'a jamais été dans le talent d'illustrateur de propos révolutionnaires et édifiants mais dans la puissance et le lyrisme que fait passer sa vision enthousiaste de la technique et dans idéal humaniste du jeune homme, dépassant le dogmatisme qui a pourtant présidé a l'élaboration de quasiment toute son œuvre. Ce n'est pas par hasard ou sympathie politique que le Potemkine a cartonné a l'étranger mais parce que l'histoire raconté est celle, éternel, de la lutte des opprimés contre leurs oppresseurs, du bien contre le mal, de l'homme contre le monstre. Et qu'elle soit truffé de symboles politique n'a stictement aucune importance sur la puissance de la resonnance que peut provoquer ce type de récit dans n'importe quelle partie du monde. Le Cuirassé Potemkine est, aujourd'hui, toujours aussi scotchant grâce a la parfaite alchimie de ces composants: la formidable rythmique du montage, la superbe photo contrasté presque réaliste et pourtant cinématographique (1), dans l'élaboration obsessionnel de cadrages hallucinants, résultat d'un découpage de l'espace vraiment renversant d'intelligence. C'est au travers de la caméra et du montage que les enjeux nous sont racontés et non par les intertitres ou le jeu des acteurs, d'autant qu'aucun individu ne sort ici de la masse, pas de héros classique mais deux regroupements de personnes (les insurgés et les tsaristes) vu comme deux entités idéologiquement distincts. On est dans le film de masse, une des nombreuses théorie d'Eisenstein, dans lequel la masse est le centre de l'histoire, son "héros". L'incarnation la plus célèbre de cette théorie est bien sur la célèbre scène de l'escalier d'Odessa.

Cette fameuse scène est tout d'abord précédé d'une autre qui lui servira d'introduction. Une barge du Potemkine arrive a Odessa et dépose sur les quais le cadavre de Vakoulintchouk. La scène, une description quasi poétique de l'activité d'un début de matinée dans le port, dégage un parfum de quiétude, de tranquillité qui persistera jusqu'au soulèvement de la populace. Le calme avant la tempête. Conscient que la masse n'engendre pas vraiment d'elle-même l'empathie, Eisenstein prend tout d'abord soin, grâce a quelques visage immédiatement sympathique et identifiable, de lui donner une personnalité. Ces visages réapparaîtront ensuite aux moments clés pendant lesquels les cosaques feront un massacre. Le paroxysme de la tension dramatique provoqué par ce procédé sera la descente du landau sur les marches de l'escalier sous les tires des cosaques et les yeux terrifiés des gens d'Odessa qui ont pris le parti des insurgés. Même si aujourd'hui la violence de cette scène paraîtra toute relative face aux nombreuses couches superposées de cadavres et des douilles de La Horde Sauvage ou des Portes du Paradis je trouve qu'elle garde intact sa force brut, sa violence, sa tension dramatique et son aspect pathétique (2). La suite montre la réponse des marins qui vont anéantir le Q.G. des forces tsaristes puis aller au devant de la flotte envoyé a leur poursuite. Le Cuirassé Potemkine reste aujourd'hui le film le plus célèbre de son auteur mais, a mon humble avis, pas son meilleur. Ces films ultérieur démontreront que son deuxième film n'était pas un aboutissement mais un commencement, un prélude a une série de grands films (Octobre, Que Viva Mexico, Alexandre Nevski et surtout le titanesque Ivan le Terrible) souvent enfanté dans la douleur et une révolution, celle d'un media: le cinéma.

(1) photo d'Edward Tisse, chef opérateur de génie et collaborateur d'Eisenstein sur tout ces films. Il est presque autant responsable de la splendeur visuel des films d'Eisenstein que le metteur en scène russe. (2) ce n'est pas pour rien que De Palma et Terry Gillian ont rendu un hommage appuyé a cette scène dans Les Incorruptibles et Brazil. Liens utiles:

Biographies d'Eisenstein ici et ici

Et quelques analyses intéressantes la, la et la.

Et enfin le plus important vous pouvez voir le film (en toute légalité) ici. La copie et la version sont un peu chanmé mais ça donne une idée assez précise du film !

Ok je vais la faire court, je n'attendais rien de spécial du nouveau Batman. Le reload de la franchise m'ayant assez motivé a l'époque avant qu'un re-visionnage tardif ne vienne modifier mon opinion et revoir l'opus de Nolan fortement a la baisse, j'était donc plus que patient devant la perspective d'une suite faite par les mêmes auteurs d'autant que le monstrueux succès de The Dark Night me rappelait celui du premier Batman de Burton et de l'amère déception qui avait suivit. J'y suis donc allé en traînant des pieds et j'ai halluciné. J'attendais un peu tout de même un minimum d'un film de 2h20 affichants de tels ambitions, un nombre conséquent de personnages, d'enjeux dramatiques donc de quelques chose de vraiment dense et j'ai halluciné (oui je sais je me répète). C'est assez incroyable de constater que Nolan, au lieu de corriger les erreurs du premier opus les a reproduites voir amplifiés. En s'imaginant sans doute que la construction d'un personnage et l'identification du spectateur a celui-ci ne peut se passer de conversations, Nolan nous gratifie d'un nombre incalculable de tunnels de dialogues tous plus lourdingues les uns que les autres, essentiellement composés de discours pompeux parfois assez déments autant dans les prétentions qu'ils affichent que dans leurs total inutilité, le tout embelli d'une philosophie de comptoir désarmante de naïveté dans le ridicule qu'elle affiche ("après les ténèbres de la nuit vient la lumière du jour" nan mais pitié quoi !) et de sous intrigues dont on se fout totalement. Le tout passerais sans doute si Nolan n'était pas un réals aussi surestimé. Que les dialogue soit pour la plupart totalement golmons ne poseraient pas de problèmes en soit s'il étaient relevés d'une réal a la hauteur du truc, d'un gars qui sache poser des enjeux dramatiques en trois plans et un montage idoine, le problèmes c'est que non. Tout y est désespérément inutile. La direction d'acteur est a l'aune de cette partie verbeuse (qui dure près d'une heure quarante ) puisque tous y sont plats, inexistants. Et là je vais me faire pleins de copains puisque cela engage également Heath Ledger qui livre, dans cette partie, ce qui est certainement la pire interprétation de sa carrière. Tout aussi grave Bale semble inexistant Caine, Oldman et Freeman sont enfermés dans des rôles de troisièmes couteaux (ou comment j'suis une grosse loose de scénariste qui n'arrive pas a donner un rôle potable ayant un semblant de consistance a des acteurs au talents hors norme) et on se fout complètement de Maggie Gyllenhaal et d'Aaron Eckhart. L'aspect réaliste, voir naturaliste entamé sur Batman Begins et développé sur The Dark Knight a une sale tendance a révéler ce que les personnages sont en réalité, des bonhommes en costumes (le Joker est une sorte de mélange entre un travelo en fin de partie et un toxico). Nolan, sans doute très intelligent et cultivé et tout ça, se croit obliger d'éloigner Batman de ces éléments principaux: l'obscurité, les ténèbres. Ces éléments qui font intégralement partie du perso, le définisse et font du justicier de Gotham un être quasi mythologiques, un sombre demi dieux vengeur se nourrissant de la peur qu'il inspire (Batman de jour, Batman diurne, Batman en boite de nuit, ouais génial !). Dans le même style un sort identique est reservé a la ville de Gotham qui est elle superbement ignorée, on a superposé au design foutraque du premier une ville ressemblant trait pour trait a New York. Bravo ! Nolan se croit également obligé de répéter ad nauseam les mêmes motifs visuels. En gros on a droit une dizaines de fois a des plans aériens de la silhouette de Batounet trônant au dessus des grattes ciels ou au Joker qui joue au gros méchants sur des mouvements de caméra centrifuge que n'aurait pas renier Lelouch (mais ou est Nicolle Croizille bon sang !). Et sans parler du coté "puissamment" réflexif sur l'Amérique post 11 Septembre qui ne semble être là que pour donner un fond a un vide qui n'en a pas et du statut de super héros qui n'est qu'a peine ébauché. Bref c'est une vrai cata, une incroyable déroute a laquelle j'ai assisté. Maintenant ceci posé, The Dark Knight a évidemment des qualités. Au bout d'1h40 il se passe quelque chose, ENFIN le film de Nolan prend un peu d'ampleur. Le Joker devient enfin ce monstre psychotique, imprévisible et malsain promit (Ledger est juste monstrueux), un parasite, un virus dont le seul but semble être le plaisir de la destruction et de savourer la peur qu'elle engendre. Heckhart, d'habitude si fade, serait presque aussi effrayant que le Joker si une dimension pathétique ne venait pas se superposer au statut de super vilain de Double Face. Batman révèle sa vrai part d'ombre en torturant (mais pas trop quand même) un Joker sans défense et les multiples épreuves préparé par le cinglé au sourire si caractéristique réserve quelques sueurs froides qui m'ont quelques peu venger du lamentable spectacle décrit ci-dessus, pour faire court les personnages se définissent dans et par l'action et pas dans une ignoble Logorrhée. Le montage se resserre et coté Mannien revendiqué par Nolan ressort enfin positivement mais sans plus, disons que ça donne un petit plus qui ne fait cheveux dans la soupe. Mais c'est trop tard, le mal est fait. Même si ces dernières quarante dernières minutes valent effectivement le coup, elles laissent également un gout amère, celui du putain de film que The Dark Knight aurait du être si Nolan avait était moins prétencieux. Bref la prochaine fois si on pouvait remplacer Nolan par quelqu'un d'autre (David Twohy par exemple mais là faut pas rêver non plus) ou si Nolan pouvait juste arrêter de pêter plus haut que son cul, faire preuve d'humilité et se mettre a son niveau. Celui d'un honnête réalisateur quand même capable de faire des bons films, tout simplement.

Heurm... Bon c'est vrai que l'intituler est plutôt mensonger, voir assez racoleur puisque jusqu'au jour d'aujourd'hui rien ni personne n'as pu étayer cette vieille rumeur lancé en 2003 par Mark Millar sur le net. Ça n'a par contre pas empêché certains de faire un peu de bidouille en s'amusant a concrétiser une partie de ce rêve hautement fantasmatique avec ces faux trailers assemblés avec des bouts de La Dame de Shanghai, La Splendeur des Amberson, The Stranger, Little Cesar, Asphalt Jungle, l'Homme qui rit (entre autres) et les sérials de l'époque. Le cast est donc assez monstrueux puisqu'en dehors de Welles dans le rôle de Bruce Wayne ont retrouve en vrac Marlène Dietrich (Cat Woman), Edward G. Robinson (le Pingouin), Joseph Cotten (Gordon) ou Conrad Veidt (le Joker). La suite du trailer se trouve ici et un autre là. Enjoy !

Owen est enfant quand sa mère décède. Adopté par une famille de voisins, le jeune homme se sauve et apprend les dures lois de l'existence des quartiers pauvres. Devenu chef de gang, Owen verra sa vie changé avec la rencontre d'une jeune institutrice.

Régénération est un film important a plus d'un titre. Débauché de la Biograph* par William Fox, Walsh se retrouve a la tête d'un projet ou, pour la première fois, il jouit d'une total liberté. Walsh remanie un scénario bâtit autour d'une situation convenu afin de lui donner plus de dureté et tourne sur les lieux même de l'action, le quartier du Bowery a New York, que le réalisateur connaît bien puisque cet endroit fut le terrain des jeux de son enfance. Très loin des tournages encadré et professionnel actuel, celui de Régénération est une aventure quasi épique. Pour les besoins de la scène du bateau en flamme Walsh engage deux truands du Hell's Kitchen, un quartier mal famé, dont le rôles est de fournir le plateau en figurantes et figurants. Les femmes, pour la plupart des prostituées, n'étant pas assez nombreuses Walsh décide de travestir une partie des figurants masculin. Il donne également comme instruction aux deux truands de veiller a ce que tout le monde saute du bateau au moment voulu. Les deux lascars prirent leurs rôles très a cœur puisqu'il allèrent jusqu'à balancer le comptable (portant sur lui une sacoche contenant la paie des figurants) a la baille. C'est a cet instant que Walsh remarque le manque de sous vêtements de certaines de ces dames tandis que les fumigènes simulant les flammes de l'incendie alertes les pompiers et les policiers du coin qui coffrent Walsh pour troubles a l'ordre publique et outrages au moeurs. Walsh ne dut son salut qu'a l'intervention de Winfield Sheehan, un ancien journaliste devenu producteur et ami de Walsh. William Fox est excessivement satisfait de la publicité gratuite amené par l'équipé (près de 20 000 personnes ont assistés au "spectacle" qui fit également la une des journaux) mais le seul hic c'est que l'intimité dévoilé de certaines des figurantes a été fixé sur pellicule au moment ou leurs robes bouffantes se soulevèrent pendant la chute dans les eaux de l'Hudson. Walsh dut embaucher en catastrophe un monteur spécialisé dans le sauvetage de films afin de s'éviter les quelques désagréments que lui aurait occasionné une plainte du comité de censure d'un pays passablement conservateur. Le monteur gratte la pellicule afin d'attribuer un sous vêtement fort disgracieux aux figurantes si peu avares de leurs charmes.

Au-delà de l'anecdote truculentes et de son statut de premier "vrai" long métrage de Walsh, Régénération doit son importance d'être également le premier long parlant du milieu de la pègre et des gangsters, faisant suite au Mousquetaires de Pig's Alley de D. W. Griffith premier court métrage d'une dizaine de minutes sur le milieu criminel tourné en 1912. Basé sur l'autobiographie d'Owen Kildare, un ancien criminel illettré détourné des sentiers du crime par une institutrice et devenu journaliste, Régénération n'emploie pas exactement les même chemins que son illustre mentor qui situait son film entre romantisme et réalisme. Walsh empreinte la voie du vérisme, la grande majorité des "acteurs" joue en fait leur propres rôles, et donne a Régénération un cachet quasi documentaire assez troublant de naturalisme. La misère semble transpirer des photogrammes qui décrivent des rues, des bars ou des appartements d'où suinte une pauvreté et une misère qui y sont décrit comme le berceau de la criminalité. Il y a dans ce film une définition de certains traits définissant l'illustration cinéma du gangster. Son caractère presque enfantin, son attitude gouailleuse et sa propension a la mélancolie. Walsh, contrairement a certains de ces successeurs, ne joue pas sur l'aspect romantique ou mystérieux du personnage et de son milieu, ne cherche pas a l'iconiser ou a en faire un héros. Owen est un gentil méchants (ou l'inverse), un personnage entier qui préfigure quand même pas mal les grandes figures picaresques qui vont traverser la carrière du grand cinéaste américain, justement fascinantes pour leurs réalisme, leurs vraisemblance. L'institutrice est elle-même une matrice des personnages féminins qui chez Walsh ont toujours une place importante dans le récit, ici celle de déclencheur de la prise de conscience d'Owen qui va se détourner du crime et emprunter les chemins de la rédemption, avant que son passé ne ressurgisse et provoque le drame. Malgré la courte durée de Régénération il est étonnant d'en constater la complexité narrative car en plus d'être une peinture réaliste des quartiers pauvres de l'époque le récit est également une mini fresque qui décrit le parcourt du jeune gangster. De l'enfance, la première scène découvre Owen regardant le cadavre de sa mère emporté par une ambulance. De l'adolescence pendant laquelle Owen va apprendre la loi des quartiers, la force donne raison a celui qui l'emploie victorieusement, ou il va se faire remarquer pour ces talents de puncheur jusqu'a l'age adulte, a la tête d'un gang. Régénération emploie un nombre conséquent de personnages secondaires ayant tous une consistance et un rôle faisant sens avec le récit et ces enjeux dramatiques ou symboliques. Régénération est également un film vraiment bien gauler, le médium cinéma n'ayant que vingt ans il est assez impressionnant de constater que Walsh, digne élève de Griffith, utilise déjà un langage parfaitement maîtrisé, sobre, énergique et par instant presque lyrique. Le plus souvent en plans fixes la caméra effectue quelques très beaux mouvements d'appareils dénués de toute gratuité, le tout conduit par le sens du rythme typique du cinéma de Walsh.

Après cet première œuvre marquantes, qui fut d'ailleurs longtemps considéré comme perdu et finalement retrouvé à la fin des 70's, Walsh allait changer de genre en s'essayant avec succès a l'aventure ou au western (Le Voleur de Bagdad, La Piste des Géants) avant de revenir au film de gangsters a la fin des 40's avec le sublime Les Fantastiques Années Vingt qui fut en même temps un ultime soubresaut d'un genre qui connu un énorme succès au tout début des 30's (Scarface de Hawks, L'Enemi Publique de William Wellman, Le Petit César de Mervyn LeRoy) et une réflexion mélancolique et réaliste sur un personnage central de l'histoire du cinéma US. Walsh retrouvera le gangster dans l'excellent La Grande Évasion, a la base prévue pour John Houston qui en écrivit le scénario, qui définissait son héros (Humphrey Bogart) comme être dépassé par son époque et donc condamné a un destin tragique un et dans cet énorme coup de boulle qu'est L'Enfer est a lui.

*la compagnie de D. W. Griffith dont Raoul Walsh fut un des assistants, il joue également John Wilkes Booth, l'assassin d'Abraham Lincoln dans Naissance d'une Nation.

- Livres consultés: Un demi siècle a Hollywood de Raoul Walsh, Raoul Walsh ou la saga du continent perdu de Michael Henry Wilson et Le Crime a l'écran: une histoire de l'Amérique de Michel Ciment.

Derrière cet étrange intitulé se cache en fait Tron 2. Diffusé a la surprise général pendant le dernier Comic-Con, le trailer de Tr2n a immédiatement provoqué une surchauffe général et un buzz immédiat, quand ou voit le résultat on comprend pourquoi. Selon les rumeurs Tr2n devrait sortir au alentour de 2010/2011. Désolé pour la qualité mais c'est ce que j'ai trouvé de mieux. Ce trailer a, selon l'excellent Forgotten Silver, été en partie drivé par Lasseter lui même. Enjoy !

Et profitez en car le trailer disparaît a vu d'oeil des sites hébergeurs de vidéo.