Toujours dans le cadre du cycle "Cinema Japonais" initie par wildgrounds, je poste ici un interview realise lors du Festival International de Clermont-Ferrand, et deja publie sur le site www.asiexpo.com. Il fait partie d'une serie de cinq entretiens avec des personnalites du court-metrage en Asie, et visant a donner un panorama de la situation de la discipline dans cette region.
Pour le Japon, ce sont Toshiya Kubo, directeur du Festival du Court Metrage de Sapporo, et Tai Murayama, vice president de MTV Networks Japan, qui ont repondu a nos questions.
Pouvez-vous nous presenter le Festival du Court Metrage de Sapporo ?Le festival celebre en septembre son troisieme anniversaire. Nous avons trois competitions : une competition nationale, une competition internationale, et une competition entre realisateurs. Cette derniere est la particularite de notre festival : on y recompense non pas un film, mais un realisateur, pour l'ensemble de son travail. Chaque realisateur decide lui-meme des films qu'il souhaite presenter, et c'est sur cette retrospective qu'il est juge. Nous sommes partis du constat que dans les festivals, c'est le film plus que l'auteur qui est recompense. Avec cette competition plus prestigieuse, et bien sur plus valorisante pour les realisateurs, nous souhaitons mettre le realisateur, en tant qu'artiste, en avant. L'idee d'une competition dediee aux films et d'une autre consacree aux cineastes nous est venue de l'industrie musicale. En quelque sorte, la premiere competition presente des singles, tandis que la seconde presente un album complet. Nous avons egalement un marche du film consequent, et nous organisons un maximum de rencontres entre le public et les realisateurs. D'ou provient l'argent vous permettant d'organiser le festival ? Nous recevons de l'aide de la ville de Sapporo, et petit a petit, des sponsors prives viennent egalement nous financer. Etes-vous satisfait des deux premieres editions ? Ont-elles ete un succes ? Oui, nous sommes assez contents, nous avons plus de 8 000 spectateurs sur cinq jours chaque annee. En terme d'affluence, c'est le premier festival de courts metrages au Japon, et le huitieme festival de cinema en general. Vous pensez qu'il existe un reel interet pour le court metrage au Japon ? Au Japon, le Short Short Festival de Tokyo existe depuis une dizaine d'annees. Nous travaillons avec eux depuis la seconde edition, en projetant a Sapporo des films primes lors de leur festival. Apres 6 ou 7 ans, nous avons donc decide de creer notre propre manifestation, afin d'avoir un plus grand controle sur la programmation, et d'organiser les choses a notre faon, d'etre independants. Nous savions qu'il existait a Sapporo un public pour le court metrage. De plus, aujourd'hui, les courts metrages sont de plus en plus differents, de plus en plus creatifs, les gens les voient comme quelque chose de nouveau, et il existe une vraie demande, peut etre meme commerciale, pour ce format. Le marche du film de Sapporo est le seul qui soit consacre aux courts metrages, mais de plus en plus de compagnies (des operateurs de mobiles, des chaines de television, des compagnies aeriennes...) se montrent interessees.
Comment le court metrage est-il peru au Japon ? Est-il vu comme un hobby, un moyen de se faire la main avant de passer au long, ou au contraire comme une forme d'art a part entiere ? Au Japon, on apprecie les courts metrages, notamment parce qu'en y consacrant le meme temps qu'a un long metrage, ils peuvent voir de nombreux styles differents. Le succes est donc la, mais les courts sont plus vus comme une distraction. Pour beaucoup, court metrage signifie amateurisme. Ils ne realisent pas que certains films, comme Usavitch sont produits de faon professionnelle, et que derriere ces trois minutes de film, il y a un enorme travail. Il faut du temps pour qu'une nouvelle discipline soit reconnue comme une forme d'art, et le court metrage n'en est pas encore la au Japon. Je pense que la majorite des realisateurs de court ont dans l'idee de passer au long des que possible, et voient surtout ce format comme un entrainement et une faon de montrer leur talent. Le probleme est qu'au jour d'aujourd'hui, il n'y a pas beaucoup d'argent dans le court metrage, il est donc difficile d'y faire carriere ! Quel style a le plus de succes dans le court metrage ? Qu'est-ce que le public a envie de voir ? Il y a la encore un parallele avec la musique. En general, c'est la mauvaise musique qui se vend le mieux, tandis que la bonne musique ne marche pas tres bien (rires). C'est pareil avec les courts : certains sont tres bons, mais tres difficiles d'acces, et n'ont donc pas vraiment de succes aupres du grand public. Ceci dit, il est important que le genre soit tres varie, nous avons besoin de styles differents : des films d'etudiants, de professionnels, de l'animation, des documentaires... tout comme il est important qu'il existe des styles de musique differents !
Pensez-vous qu'il existe une touche japonaise dans les courts metrages ? Un style, ou des themes qui reviennent regulierement ?Je pense que l'animation est un style typiquement japonais ! Traditionnellement, c'est un genre tres populaire au Japon, de plus, il necessite moins de moyens que les films live. Avec un simple PC, quelqu'un de talentueux est capable de realiser son court metrage d'animation depuis sa chambre ! J'ai ete surpris de constater en selectionnant les courts metrages pour le festival de Lyon que nous ne recevions finalement que peu de films en provenance du Japon. Beaucoup moins en tout cas que de pays comme la Coree par exemple. Comment l'expliquez-vous ? Ce n'est qu'une question d'argent. L'industrie du cinema est en bonne sante en Coree. Ils ont des structures solides, de gros studios, de grandes ecoles, et ils reinvestissent leur argent, y compris dans les courts metrages. Le systeme est tres different au Japon. Il n'existe qu'une ecole publique, les autres sont des ecoles privees onereuses ou il est difficile d'entrer. Pourtant, il est difficile d'acceder aux metiers du cinema sans passer par ces ecoles. C'est un systeme complexe. Le fait d'aller etudier le cinema a l'etranger est egalement limite, car peu de japonais savent parler anglais. Existe-t-il un reseau, une communaute autour du court metrage ? Non, pas vraiment. Internet permet aux realisateurs d'etre en contact et de creer un cyber reseau, mais tout cela manque de concret. En matiere de vie artistique, le Japon est tres faible. Il y a peu d'initiatives, de structures de type associatif. Nous faisons la confusion entre art et divertissement. Au Japon, c'est l'aspect commercial qui prime. Pour qu'une forme d'art puisse se developper, il faut aussi qu'elle soit rentable. Le contexte japonais est tres particulier. Si le succes est au rendez-vous, l'argent suivra, et ainsi le court metrage pourra plus facilement se developper. C'est pourquoi il est important que des films japonais soient projetes dans les differents festivals internationaux, ou que des gens comme vous s'y interessent. Si les japonais voient que la production de leur pays suscite l'interet a l'etranger, ils vont comprendre qu'il y a la un potentiel economique (rires) !
Qui realise des courts metrages au Japon ? S'agit-il essentiellement de films realises par des etudiants ?Pour donner un ordre d'idee, disons que 5 a 10 % des films sont realises par des professionnels, generalement a des fins commerciales, 30 a 40 % par des etudiants (a titre de comparaison, pres de 60 % des courts metrages coreens sont realises par des etudiants), et le reste independamment par des cineastes amateurs. Avant de conclure, pouvez-vous nous dire un mot sur la serie Usavich ? C'est une serie mettant en scene deux lapins emprisonnes en Siberie, l'un impassible mais capable de coleres impressionnantes, l'autre doux et amateur de danse. Chaque episode dure 90 secondes et les met dans une situation inedite, racontant de faon humoristique leur vie et leurs relation avec la porte/gardien, avec un poussin qu'ils ont adopte, avec une grenouille sortie de leurs toilettes... La serie est produite par MTV Networks Japan, a destination des chaines de television et des operateurs telephoniques. Elle compte a ce jour deux saisons, et nous travaillons sur la troisieme. J'espere que vous aurez l'occasion de les decouvrir bientot en France ! Propos recueillis a l'occasion du 30e Festival International du Court Metrage de Clermont-Ferrand Fevrier 2008
Vous pouvez retrouver les autres interviews de cette serie (Amir Muhammad pour la Malaisie, Chalida Uabumrungjit pour laThailande, Yuni Hadi pour Singapour et Gina Kang pour la Coree du Sud) sur le site d'Asiexpo: www.asiexpo.com/club , rubrique "interviews".
La police enquete sur le meurtre d'un homme retrouve dans une gare de Tokyo. Leur seul indice est le mot prononce avec l'accent du Nord du Japon...
La recette de "L'ete du demon" est donc reprise ici (1): Seijo Mutsamoto pour le fond, Yoshitaro Nomura pour la mise en forme. Si dans ce dernier film, la collaboration des deux hommes etait "fusionnelle" au sens ou il etait difficile de discerner l'influence de l'un ou de l'autre sur tel ou tel element, la situation est ici differente. En effet, une des particularites du "vase de sable"est selon moi d'etre divise en deux parties bien distinctes, chacune portant la marque d'un des deux artistes. Dans la premiere moitie du film, Nomura se place en retrait, et c'est la patte du romancier que l'on distingue nettement dans cette enquete meticuleuse, ou chaque detail compte.Le spectateur est placed'entree au coeur de l'investigation, qui rebondit d'une scene a l'autre au rythme des informations glanees. Un certain aspect procedurier, ainsi que le flou dans lequel evolue les inspecteurs, donnent reellement le sentiment d'avancer a leurs cotes sur cette affaire. Le film ravira ainsi les amateurs d'intrigue policiere classique (Matsumoto touch), et serait deja tres bon s'il se cantonnait a cet aspect, l'enquete etant egalement un voyage a travers le Japon, avec une photographie et des decors naturels de toute beaute.
Mais dans la seconde partie, Nomura va depasser ce simple cadre narratif, se le reapproprier,et surprendre le spectateur en conferant au film une autre ampleur, assez inattendue au regard de ce qui precede. Il va en effet lui donner, au fil de l'explication du crime, une incroyable dimension dramatique, notamment par l'insertion de certains themes qu'il affectionne comme la cruaute de l'etre humain ou la relation pere / fils. Pendant pres d'une heure, et quasiment sans dialogues, le drame d'un homme nous est expose, tandis que, monte en parallele, celui-ci interprete au piano un concerto inspire de sa vie, et qui vient donc directement illustrer ce que l'on voit a l'ecran. Certes, ce procede peut paraitre facile, artificiel, voire mievre. Mais il demontre surtout un immense talent de cineaste, un superbe sens du montage, et il est tres difficile de ne pas se laisser emouvoir.
Un film bivalent donc une partie enquete, une partie drame; une partie qui fait appel a l'intellect, une qui fait appel aux emotions...mais surtout au final, un grand film.
(1): Pour parler chronologiquement, entre ces deux films, c'est en realite dans "l'ete du demon" que l'on retrouve la recette du "vase de sable", le premier ayant ete tourne en 1978 et le second en 1974. La premiere collaboration entre les deux hommes remonte quant a elle a 1958 avec "Harikomi".
EDIT: Dans le cadre du cycle cinema japonais, "le vase de sable" est egalement chronique par LATERNA MAGICA, qui souligne notamment l'opposition qu'opere le film entre le Japon traditionnel et le Japon moderne d'une part; le Japon des villes et celui des campagnes d'autre part. Deux themes qui confirment le caractere "a double facette" du film.
http://peterpan7bis.spaces.live.com/blog/cns!C1FB58145CFFEBE4!14162.entry
(Mieux vaut avoir vu le film , ce qui suit en devoilant quelques aspects importants)
Aaah...le Japon, ce doux pays en forme de banane (si si, un peu)...ses mangas, sa cuisine...et son cinema dont on peut regulierement decouvrir ou redecouvrir certaines perles grace au travail de gentils editeurs.
Pour ma part, j'ai ainsi pu faire la connaissance il y a quelques mois de Yoshitaro Nomura, via la sortie de deux de ses films chez Wildside. Et bien figurez-vous qu'ils m'ont tellement plu que j'avais envie d'en dire quelques mots rapides, meme s'il ne s'agit plus d'une actu toute fraiche.
Commenons avec L'ete du demon (Kichiku, 1978), film qui remportera en 1979 les recompenses de meilleur realisateur et de meilleur acteur (pour Ken Ogata) lors de l'equivalent japonais de nos Cesars.
Kikuyo eleve seule depuisles trois enfants qu'elle a eu en secret avec son amant Sokichi, homme marie et imprimeur de son etat. Lorsque celui-ci n'est plus en mesure de lui verser chaque mois une pension, Kikuyo se rend a son domicile et lui abandonne les enfants avant de disparaitre.
Ne vous fiezni au synopsys, ni au titre du film; ils sont tous les deux trompeurs.
En lisant le premier, on pourrait s'attendre a une comedie dramatique classique, dans laquelle l'epouse cocufiee et les enfants vont etre rivaux, avant de se decouvrir, d'apprendre a s'aimer et de former une nouvelle famille (final avec des violons, on verse une petite larme d'emotion, la vie est belle). Que nenni! Nomura choisit ici une approche inedite, inattendue de cette relation, beaucoup plus brutale, beaucoup plus cruelle et pessimiste, mais aussi totalement realiste.
Quant au titre franais du film, il pourrait laisser penser qu'il est ici question de surnaturel, voire d'horreur. Et la encore, que nenni! Pas au sens "sanglant" du terme en tout cas. Mais une autre horreur, encore plus terrifiante, est presente:une horreur bien reelle, ancree dans le quotidien, une horreur "domestique", dans le traitement que le couple, en particulierla femme trompee, reserve aux enfants.
Pour autant, cette horreur n'est pas visuelle, ne vous attendez pas a des scenes choc. L'ete du demon est avant tout un film d'ambiance.
Des le debut, le malaise est installe par une scene en plan large et fixe, dans laquelle la maitresse raconte a la femme trompee son aventure avec son mari, en presence de celui-ci. Le spectateur (un peu voyeur) ressent une impression de malaise devant cette situation etrange et surrealiste, ou une femme en regarde une autre droit dans les yeux pour lui raconter le plus calmement du monde comment elle est depuis plus de sept ans la victime d'une trahison au long cours. Rien que a. Et sous les yeux du mari s'il vous plait. L'atmosphere pesante ainsi creee est renforcee d'une part par le decor exigu de l'imprimerie ou se deroule la majorite du film, d'autre part par la canicule sevissant durant tout le metrage les personnages, en sueur, semblant toujours oppresses.
Cette scene clef sert aussi a nous presenterla reaction de chacun des trois personnages, et ainsi leur principal trait de caractere: une maitresse cruelle et revancharde, une epouse humiliee (ce qui la poussera a devenir a son tour cruelle et revancharde), un mari faible et honteux.
Par la suite, toute l'ambiance du film residera dans les non dits, l'atmosphere de danger, la menance qui psesera perpetuellement sur les enfants. Tout le propos du film est en effet de montrer leur fragilite face au monde et aux decisions des adultes.
Dans la premiere partie du metrage, ils ne sont jamais filmes comme l'element central d'une scene, mais toujours dans leur rapport, voire leur dependance, a l'adulte. C'est toujours ce dernier qui est sur le devant de la scene, tandis que les enfants sont la sans etre la. Ils n'apparaissent pas vraiment comme des personnages a part entiere, mais plus comme un attribut rattache a tel ou tel personnage d'adulte. Cela est flagrant dans la scene evoquee precedemment: tandis qu'au premier plan, les adultes discutent, les enfants jouent au second, sans intervenir dans l'action, quand bien meme il n'est question que d'eux. Ils sont a la fois l'objet du probleme et de la convoitise, et bien qu'ils soient innocents et gentils, ils apparaissent comme un fardeau pour les adultes, et donc constamment menaces.
Les premieres scenes centrees sur les enfants, (et donc d'ou sont absents les adultes) ne servent qu'a souligner leur abandon, leur fragilite et leur tristesse. Une image symbolique revient d'ailleurs de faon recurrente: celle ou un miroir de fete foraine renvoie d'eux une image deformee, comme pour illustrer la menace qui pese sur eux, comme si ce qu'ils allaient vivre pourraient marquer a jamais des etres si malleables, si fragiles.
Ainsi donc, les petits ne nous apparaissent que de deux fa: fardeau, ou victime.
Et qui dit victime dit bourreau. Ce role est bien sur tenu par l'epouse trompee. Celle-ci incarne plus que tout autre le demon du titre. Ou plus exactement, elle est en proie a ce demon: le demon de la jalousie, de l'orgueil blesse, le demon de la lachete, qui pousse un adulte a s'en prendre a un enfant.
Les rapports des orphelins avec elle sont ainsi tout bonnement terrifiants car elle apparait constamment menaante, voire diabolique, songeant au meilleur moyen de se debarrasser d'eux. La musique, inquietante, est d'une grande efficacite des que le spectateur l'entend, il sait que les enfants sont en danger. L'attente de ce qu'il va decouvrir, du sort de ces enfants innocents, est ainsi rendue encore plus stressante. Cette musique contraste avec celle, enfantine, que l'on trouve dans les scenes centrees sur les enfants, et qui vient renforcer l'impression que ceux-ci vivent dans une bulle, un monde different de celui des adultes, dont ces derniers ne possedent pas la clef.
Mais, apres nous avoir presentes les enfants comme innocents et victimes des adultes, Nomura va nous surprendre a nouveau, en inversant les roles. Le plus ages des trois va progressivement refuser sa condition de victime en faisant preuve de ressources insouponnees. Un face a face avec le pere, melant tendresse et mefiance, va alors s'installer sans que l'on ne sache jamais comment interpreter l'attitude du jeune gar: innocence ou machiavelisme.
Cette reaction de l'enfance, ce desir de prendre en charge son destin, de ne plus etre soumis aux adultes, est la seule touche d'optimisme du film. Nomura place ses espoirsen ce jeune garon, tandis qu'il nous presente les adultes comme egoistes, cruels, mauvais, calculateurs, soit par orgueil (l'epouse bafouee) soit par lachete (le mari). En effet, ce dernier aime sincerement ses enfants, et malgre cela, totalement soumis a sa femme, il va commettre l'irreparable. Loin de lui accorder des circonstances attenuantes, cela ne rend son geste que plus meprisable.
L'espoir place en l'enfant est cependant ephemere, puisquecelui-ci va inevitablement devenir adulte (si si, c'est comme a, c'est la nature), et en grandissant, etre corrompu par le monde qui l'entoure. La scene ou le pere raconte comment il a lui-meme ete victime des agissements de son oncleest a ce titre tres explicite. L'adulte et l'enfant nous apparaissant a ce moment comme une meme personne, a deux moment de sa vie, l'une encore innocente (ou qui l'a ete) l'autre corrompue (ou qui va le devenir).
Le pessimisme de Nomura est renforce lors de la derniere partie du film: une escapade du pere et de son fils en bord de mer. Le but initial de celle-ci est de se debarrasser du petit, mais le spectateur, trompe par ce changement de decor (on quitte la ville, l'imprimerie etroite et la canicule pour de vastes paysages de littoral battu par les vents) et par la journee idyllique que passe les deux personnages, va se prendre a croire que le mari va reussir a se defaire de l'influence de sa femme, et epargner l'enfant. Sa tentative d'acte meurtrier, finalement inevitable au regard de ce qui precede, n'en est que plus choquante.
Le film se clot sur une scene dechirante ou l'enfant, ayant survecu, affirme a la police que l'homme qu'il a en face de lui n'est pas son pere. Le regard dur et determine du garon contraste avec celui, implorant et charge de remords, du pere. Cet acte du fils peut etre interprete de plusieurs faons. En reniant son pere, on peut penser qu'il se libere de la menace que represente celui-ci, ce qui peut laisser esperer qu'il va pouvoir vivre une vie meilleure. On peut aussi y voir une punition qu'il inflige a celui-ci pour le traitement qu'il lui a reserve. Mais on peut egalement y voir une faon d'epargner son pere, puisque en se defaisant de lui, il apporte une solution au probleme que lui meme representait.
Quoiqu'il en soitce final est a nouveau trompeur. Certes, l'enfant se libere de la menace des adultes (pour un temps), mais pour se faire, il est oblige de prendre une decision cruelle, difficile et irremediable. En bref, le genre de decision qui vous fait faire un pas de plus vers l'age adulte...et l'on a vu que Nomura ne tenait pas ce monde en haute estime.
L'ete du demon est donc un film a la fois dur et emouvant, ainsi qu'une magnifique description de l'enfance, quand bien meme celle-ci adopte un point de vue tres pessimiste. Nomura choisit des le debut un traitement surprenant du sujet, et joue avec son spectateur en effectuant des retournements de situation, ou en lui laissant l'espoir d'un retournement de situation. Cet espoir se retrouvera systematiquement trahi, rendant le message du film encore plus douloureux a accepter.
Oh, j'oubliais, est adapte d'un roman de Seicho Matsumoto, souvent qualifie de , et dont Yoshitaro Nomura fut en quelque sorte l'adaptateur officiel, puisqu'ils ont collabore ensemble sur huit films. Et parmi ces huit films, on trouveLe vase de sable (Suna no utsuwa, 1974) dont j'essaierai de parler bientot. Si c'est pas de la transition a...
Edit: Coincidence, je poste cet article au moment ou le cycle cinema japonais lance par Wildgrounds bat son plein! Merci donc a Michael d'avoir ajoute ma modeste contribution a tous ces passionants articles!
Plus d'infos sur le cycle ici: http://wildgrounds.com/
Debutmars, Johnnie To etait l'invite de l'Institut Lumiere a Lyon, quelques jours apres avoir ete reu a la Cinematheque Franaise. Ceux qui ont eu la chance d'assister a cet evenement ont decouvert un artiste chaleureux, humble, ouvert et disponible, dont le nom est a present inscrit sur fond dore rue du Premier Film, aux cotes des plus grands realisateurs ayant visite l'Institut. Une nouvelle preuve de la reconnaissance de son talent, apres les selections de a Cannes en 2005, de Mad detective a Venise en 2006 et 2007, et de son petit dernier (a moins que le bonhomme, pour qui le terme productif est un euphemisme, n'ait acheve un nouveau film le temps que je termine cette phrase) a Berlin cette annee.
Avec pres de 50 films au compteur, le systeme To est bien rode: au sein de sa societe de production Milkyway, il alterne oeuvres commerciales et oeuvres artistiquement plus ambitieuses, les premieres, souvent reservees au marche local, permettant de financer les secondes, distribuees en occident. Ne connaissant moi-meme que tres peu sa filmographie pre "The Mission", c'est dans la peau du spectateur franais moyen, c'est a dire en considerant ses oeuvres distribuees chez nous,sur ses dernieres realisations.
To s'est fait connaitre en France pour ses films de gangsters, et depuis The Mission, ceux-ci ont montre une grande coherence, aussi bien thematique que dans le style. Sens du sacrifice, mise en lumiere de HK, tendance a l'absurde et a la derision, utilisation des medias, multitude de personnages, tours de force technique donnant lieu a des scenes d'une incroyable virtuosite, sont autant d'elements caracteristiques de ses films. Des caracteristiques tellement presentes qu'au fil du temps, et notamment a la sortie d', certains ont trouve que le cineaste commenait a tourner en rond, quand bien meme les prouesses visuelles etaient toujours aussi impressionnantes.
Or, avec le recul, pourrait bien s'averer etre un film charniere dans la carriere de Johnnie To, celui par lequel il clot son films de gangsters, ou tout du moins, marque une pause dans celui-ci.. Il n'est en effet pas inexact de dire qu'"Exile" est un condense du style et des themes chers au realisateur, et pourrait ainsi etre vu comme une sorte d'inventaire. En ce sens, il n'est pas anodin d'y retrouver tous ses acteurs fetiches, ni que le film soit une suite officieuse de , son film emblematique en occident. Si l'on en regarde de plus pres le contenu, et en mettant en parallele la situation du cineaste avec celle de ses protagonistes, d'autres indices nous annonaient qu'une page allait se tourner. En effet, les heros d' se retrouvent pour une derniere mission, et lorsque les choses tournent mal, ils savent immediatement qu'ils sont en sursis et que la fin est proche. De meme, serait-il la derniere ? Les references a Leone, Peckinpah, et au western en general y sont nombreuses. La aussi, le choix de faire un western deguise, soit un genre dont l'age d'or est derriere lui et qui est aujourd'hui moribond, est-il une coincidence, ou faut-il y voir un symbole? D'autres elements pouvaient nous mettre la puce a l'oreille: en plaant ses personnages dans des situations on ne peut plus triviales, en tournant meme parfois en derision la figure emblematique du gangster, To semblait brocarder gentiment le genre , et surtout son propre cinema. Comme s'il etait conscient d'etre arrive a la fin de sa demarche, et de risquer de sombrer dans la caricature en persistant dans ce genre, il prend du recul par rapport a son oeuvre. C'est ici que la filiation avecThe Mission: le film etait un polar HK pur jus, et le fait qu' y fasse constamment echo donne plus d'impact a la distanciation operee. C'est une suite, mais sans en etre une To poursuit son exploration de l'univers des gangsters, tout en y mettant un terme, au moins provisoire.
Comme il l'a dit lui meme lors de son passage a Lyon, le realisateur ne sait pas de quoi sera fait son prochain film, ni quelle orientation va prendre sa carriere. Toujours est-il que, comme pour confirmer l'impression laissee par , ses deux derniers films distribues en France marquent un changement par rapport a ce a quoi il nous avait habitue.
est en effet un thriller psychologique teinte de paranormal. L'inspecteur Ho planche sur une affaire de meurtres faisant intervenir l'arme d'un policier disparu. Depasse, il demande l'aide de son ancien superieur pour resoudre cette enquete epineuse. Ce dernier, considere comme fou par la plupart de ses collegues, possede le don de distinguer les differentes personnalites tapies en chacun de nous. Entraine dans une enquete a la frontiere du fantastique, Ho va voir ses certitudes ebranlees...
To reussit a depasser ce postulat de base somme toute classique en installant une ambiance crasseuse, derangeante, inquietante, ou se melent realite et apparences, normal et paranormal, jusqu'a ce que le spectateur soit lui aussi desoriente par cette enquete qui est egalement une incursion dans l'esprit des differents protagonistes.
Le realisateuraime les histoires mettant en scene des protagonistes multiples, il aime etudier les interactions entre eux, et la scene confrontant dans un meme espace ces nombreux personnages, avec points de vue multiples et une tension generale alimentee par la somme des tensions individuelles, est un incontournable de sa filmographie recente (le centre commercial dans "The mission", la scene finale de "PTU", la scene dans le petit parc au debut de "Exile", celle dans le restaurant a la fin de "Triangle"). De a , il aura montre qu'il etait un realisateur de . Il aime avoir de l'espace et profiter de celui-ci, et meme dans les scenes d'interieur, sa realisation confere une certaine ampleur a l'action. De meme, il s'interesse aux interactions entre les personnages au sein du groupe, aux rapports entre l'individu et son environnement, donc a ce qui lui est exterieur.
Or Mad detective est un film entierement tourne vers , vers l'individu, et vers la confrontation de celui-ci, non avec autrui, mais avec ses propres demons. Deux scenes, l'une ou le mad detective se fait enfermer dans une valise, l'autre ou il se fait enterrer, illustrent bien ce propos. Cette idee de penetrer a l'interieur de l'esprit des personnages est une des clefs du film, mais aussi le pivot autour duquel s'articule l'evolution du style de To. Ainsi, si marque bien une rupture thematique, le spectateur y retrouve cependant certaines caracteristiques de la realisation de Johnnie To (notamment les jeux de lumiere qui viennent souligner l'ambivalence des apparences). Mais ces caracteristiques evoluent elles aussi, pour s'adapter au sujet traite. Le realisateur va resoudre de faon finalement logique l'apparente contradiction entre, d'un cote, un style , qui requiert de l'espace, et de l'autre cote, une thematique de . En effet, quelle meilleure faon de concilier les deux aspects, mais aussi d'evoluer dans la continuite, que de placersa multitude de personnages dans la tete d'un meme protagoniste! To conserve ainsi des situations qu'il affectionne, tout en se permettant d'explorer un contexte different. On retrouve le style To, mais adapte a ce passage a l'interieur: une realisation beaucoup plus sobre, moins ample, comme confinee. Hong-Kong apparait meme : de petites rues sombres, desertes, inquietantes...rien a voir avec le Hong-Kong de par exemple! Une autre scene, symptomatique de cette evolution, renvoie d'ailleurs a : celle ou l'on suit la police dans une cage d'escalier, tandis qu'elle investit la planque d'un suspect. Alors que dans , une scene semblable donnait lieu a un grand moment d'heroisme outrancier, la realisation est ici on ne peut plus minimaliste. La plupart des scenes se passent d'ailleurs en interieur, voire meme dans des espaces tres restreints, ce qui, couple a la presence de personnages multiples, donne parfois l'impression d'etre a l'etroit (une scene plaant rien moins que 9 personnages dans les toilettes d'un restaurant, et surtout la scene finale ou l'impression d'etroitesse est renforcee par la presence de miroirs). Encore un changement notable apres les paysages ouverts de et , ou les larges avenues de .
Avec , le changement est encore plus consequent. L'histoire est celle d'un groupe de quatre pickpockets, qui vont tous se laisser seduire par la meme femme, laquelle va leur demander de derober quelque chose de vitale pour elle.
La magnifique scene d'ouverture ne laisse aucun doute, ce To va surprendre son public occidental: on y voit Simon Yam, dansant et sifflotant, dans une atmosphere tres 50's. Et en effet, cette fois, les references du maitre ne sont ni Melville, ni Leone, mais...les parapluies de CherbourgThe sparrow, incroyable condense de legerete et de bonne humeur, est une comedie intelligente, elegante et poetique, qui lorgne du cote de la comedie musicale et meme du ballet, avec des scenes tres choregraphiees et une musique omnipresente (par le franais Xavier Jamaux, deja a ce poste sur Mad detective) qui participe a la narration. L'atmosphere, qui evoque parfois les films hollywoodiens des annees 40 50 et leurs femmes fatales, est empreinte de nostalgie, et c'est sous ce nouvel angle qu'une fois encore, To nous fait (re)decouvrir Hong-Kong.
Par rapport a la filmographie recente de To, le changement majeur dans est le ton du film. Contrairement a Mad detective, ou l'evolution parait plus reflechie et dans la continuite de ce qui precedait, ce film semble plus etre un moment de detente, un plaisir que s'accorde le realisateur. Mais qu'on en s'y trompe pas, il s'agit bien d'un film de Johnnie To (et encore un film de groupe!), et en genie de la forme, il nous prouve ici que sa creativite demeure intacte en dehors du cadre du polar. Pour preuve: le ballet de parapluies qui clot le film, magnifique visuellement et impressionnante techniquement.
Reste a present a savoir quelle direction va prendre le realisateur, et s'il choisira de continuer a nous surprendre, ou de revenir vers des choses plus habituelles pour lui. Les dernieres rumeurs sur ses projets font etat d'un remake du de Melville, et d'un developpement de l'univers de PTU a travers 5 films (4 pour la video, 1 pour le cinema). Un retour au To que l'on connait en France donc. Mais apres avoir brillamment prouve qu'il n'etait enferme ni dans un style, ni dans un genre, c'est peu dire que l'on a hate de decouvrir le traitement que le realisateur reservera a ses nouveaux films.
The sparrow sortira le4 Juin2008